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Die Arbeit des Plastikers Bernard Bousquet überschneidet sich mit meinen Anliegen.
Seine bewusst unspektakuläre Persönlichkeit ebenfalls. Er ist ein geheimnisvoller Mann, der sich mit Misstrauen und Vorsicht anvertraut. Das Ergebnis seines Schaffens, das zugleich gigantisch und maßvoll ist, gibt ihm Recht, besonders in Zeiten der Enthüllungen, die in den Medien oft als hohle Resonanz zu vernehmen sind. Die Arbeit von Bernard Bousquet - ein Wort, das hier in Ermangelung eines besseren verwendet wird, da er kein Geheimnis daraus macht, dass er es nicht mag - ist methodisch und skrupulös. Die Technik des Siebdrucks zwingt ihn dazu und dient perfekt seinem Temperament und seinem Streben als Künstler. Sie verleiht ihm Effizienz, Lesbarkeit, Umfang und Details.
Es ist mir ein Vergnügen, diesen Artikel zu schreiben, so wie es mir ein Vergnügen war, an der Vernissage teilzunehmen. Die riesigen Leinwandrollen, die in der sich wiederholenden Abfolge der Positionierung der Rahmen bedruckt, mit Seide bespannt und eingefärbt werden, bleiben im Gedächtnis und prägen ihrerseits die Netzhaut und die Vorstellung einer glorreichen Landschaft.
Der Raum hat etwas Ritterliches und Heraldisches an sich. Die riesigen Schleppen sind sowohl Gemälde als auch Bühnenmäntel.Druck eines tiefen, verankerten Luxus oder vielmehr eingefärbt in der Geschichte.
Bernards Gemälde könnten die Körper der Protagonisten bei der Krönung eines prächtig gekleideten Boris Godunow perfekt umhüllen.
Textilien, Muster, Farben und Raster haben nichts mit dem Manierismus zu tun, der der Kleidung oft eigen ist. Die Wiedergabe bewahrt den rohen Charakter des Stoffes, der atmet und zu Raffinesse führt, nicht durch die Sorge um einen "geleckten" Strich, sondern durch den Gedanken, der ihm vorausgeht. Der Begriff des Konzepts ist hier greifbar, aber niemals didaktisch, da er "einfach" durch seine Umsetzung transkribiert wird. Wirkung und Ökonomie (im Sinne der Minimierung der Anzahl der Handgriffe durch eine Technik der Kettenreproduktion) sind die Qualitäten, die der Unternehmer oder Industrielle entwickelt. Von diesen, mit denen er eine Lebenserfahrung und ein Know-how teilt, behält Bernard Bousquet in seiner malerischen Praxis die Suche nach einer Methode bei, die kontrollierte Einzigartigkeit und intensive Produktion miteinander verbindet. In seinem Fall ein perfekt gelungener Cocktail, bei dem Intelligenz und Berechnung nicht im Widerspruch zur Emotion stehen, sondern im Gegenteil die Schönheit der Werke erzeugen.
Der Anteil, der der "Automatisierung" gewidmet ist, ist besonders treffend und verbindet die Malerei direkt mit der Leistung. Die Abstraktion der wiederkehrenden Motive führt nicht zu einem kalten Konzept, das nur um seiner selbst willen verteidigt wird. Bernard Bousquets Malerei ist zutiefst menschlich und möchte "begangen" werden, wie Wege, auf denen man gehen möchte, während man dem endlosen Verlauf der Leinwand folgt. Er lässt es sich nicht nehmen, uns diesen mentalen Weg zu zeigen, auch wenn wir uns hüten werden, seinen Schritten auf den auf dem Boden ausgerollten Bändern zu folgen, ebenso wie wir uns nicht anders als mental an die virtuellen Maschen und Gerüste klammern werden, die entlang der Wände des Generators vom Himmel fallen.
Die Aufhängung ist hier von Bedeutung und ebenfalls einfach und effektiv. Die langen Leinwände, die von Magneten auf Metallstangen in der Höhe gehalten werden oder, wie bereits erwähnt, einfach auf den Boden gelegt werden, breiten sich entsprechend der impliziten Bewegung ihres Trägers aus. Auch hier gibt es keinen Manierismus oder eine erzwungene Einschließung durch den Rahmen, der einfach abwesend ist. Der Rahmen, wenn es überhaupt einen gibt, befindet sich zwischen unseren Gedanken und den flachen Oberflächen des Gebäudes, das sie aufnimmt. Es handelt sich also nicht um eine gewöhnliche Ausstellung, sondern um eine Installation von Gemälden, die zur Bewegung des Körpers und des Auges zwischen den großen Gängen einlädt.
Wir dachten, dass wir, nachdem der Schock des Gigantismus überwunden war - aber er vergeht nicht -, das Gefühl eines musealen Spaziergangs wiedererlangen würden. Es kommt der Moment, die Momente, denn es gibt zwei davon im Laufe des Abends, in denen die menschliche Mobilität wieder in die Landschaft eintritt. Jean-François Pauvros greift zu seiner Gitarre, die an einen leistungsstarken Verstärker in einer Ecke des Saals angeschlossen ist, und beginnt, improvisierte Klänge zu spielen, die den Raum erfüllen. Man wird sich der Dinge bewusst, die man zwar erkannt, aber nicht wirklich wahrgenommen hatte. Mehrere Klangquellen spielen von Anfang an die Variationen ihrer Wellen über Geräte ab, die in schwarzen Stahlschränken versteckt sind, die ebenfalls von Bernard Bousquet entworfen wurden. In jeder dieser Anlagen stehen sich eine Gitarre und ein kleiner Verstärker gegenüber und interagieren direkt miteinander, indem sie verschiedene kontinuierliche Rückkopplungen mit niedrigen Frequenzen abgeben, die dichte und tiefe, aber sanfte, nicht voluntaristische und nicht aggressive Vibrationen auf das Trommelfell ausstrahlen. Die aktive Gitarre des Musikers übernimmt die Führung und Bernard wird zum Leben erweckt. Mit einer einfachen Geste und einem nüchternen, nicht demonstrativen Schritt zieht und gleitet er, rollt, transportiert und rollt an einem anderen Ort aus; dreht die Leinwandrollen um.
Die Besucherinnen und Besucher positionieren sich spontan als Publikum einer Performance oder eines Theaters. Wieder einmal werden wir von der Einfachheit und Wirksamkeit des Aktes ergriffen. Überraschung und Vergnügen bestimmen erneut den Rhythmus des Augenblicks.
Die Leinwände hatten eine Rückseite. Man hätte es sich vorstellen können; man hat es nicht einmal gedacht. Umkehrung. Neue Bodenbelichtung.
In der Folge verändert sich als Reaktion darauf die gesamte Umgebung. Nichts Anekdotisches; im Gegenteil, die Geste ist von Bedeutung und lädt das "Schauspiel" mit einer besonderen Emotion auf, die auf der Bühne aufgrund ihres Ausmaßes und der winzigen, aber präzisen Natur der konkreten Geste selten ist. Was könnte einfacher sein als das Umdrehen einer Stofffläche? Schon allein dadurch ist das Ereignis schön, einprägsam und bleibt im Gedächtnis. Viele Gäste greifen zu ihren Handys, um die Szene festzuhalten. Man wünscht sich, dass sie länger dauern würde, aber auch hier ist die instinktive Berechnung einwandfrei. Genau das Richtige, um die Zeit in der Schwebe zu halten und auf der Stufe zu bleiben, auf die das Duo sie bringt. Der Abend kann weitergehen.
Anne Dreyfus informiert uns, dass es später noch eine zweite Umkehrung geben wird. Wir freuen uns darüber, denn die Stimmung wird dadurch verwandelt, stabilisiert sich auf einer Höhe des geistigen und damit auch körperlichen Vergnügens, die uns das Niveau des künstlerischen Anspruchs dessen, was geschieht, deutlich macht. Künstlerisch zu handeln ist einfach und stark, das sagt uns unser Innerstes. Man muss die Handlung auch ausführen, das tun, was man sich vorgenommen hat, nicht mehr und nicht weniger, ohne zu zögern, zu reden oder zu kommentieren.
Bernards körperliches Vorgehen ist eine Freude zu sehen. Es ist ein schöner Bühnenakt, einer von denen, die man in der Performance sucht; einfach und wahr.
Da er kein Schauspieler ist, kostet es ihn wahrscheinlich einiges an Überwindung, sich auf andere Weise als durch seine Kunstwerke zur Schau zu stellen. Das spürt man, aber es ist auch gut so. Das ist die Qualität und die Herausforderung einer echten Geste, die nicht in Scheinhaftigkeit gehüllt ist.
Bleibt noch, über dieses Clownsduo im edelsten Sinne des Wortes zu sprechen.
Wenn ich den Ablauf der Vernissage durch meine Wahrnehmung zusammenfasse, betrat ich den Hauptsaal eines mittelalterlichen Schlosses, dessen Wände und Böden von grandiosen Wandteppichen als Mobiliar erwärmt wurden, wie es damals üblich war. Ich folgte dem Abenteuer entlang der Windungen eines zeitgenössischen Wandteppichs von Bayeux, auf dem eine unentschlüsselbare Königin Mathilde und ihr erobernder Wilhelm ihre Heldentaten in einer Schrift aus schwärmenden Linien, die von riesigen abstrakten oder kabbalistischen Logos zerquetscht wurden, vorbeiliefen. Ich las zwischen ihren Voll- und Leerstellen die Erzählung des Weges eines Gedankens, der nichts der Schwere des "Sagens" über sich selbst, andere oder sogar die greifbare Welt um uns herum schuldig bleiben will. Dann kam die Bewegung hinzu und erinnerte daran, dass die Malerei eine Tätigkeit ist, die sowohl vom Geist als auch von der Körperlichkeit geprägt ist, und dass nur die vibrierende Natur ihrer Zeichen (die unabhängig von der Stilrichtung illustrativ erscheinen) ihr Thema ist. Dann, mehr noch als die Bewegung, nahm die Fortbewegung außerhalb des Rhythmus der elektrifizierten, zerrissenen und anstoßenden Klänge Gestalt an.
Die Ruhe, die den Ort nie verlassen hatte, kehrte jedoch dichter und stärker zurück. Im Körper von Bernard Bousquet herrschte sie und gab das Maß dessen vor, was an diesem Abend geschehen sollte.
Sein Gehen und seine operativen Bewegungen haben mich geprägt. Ich erinnerte mich an ungenau in meinem Gedächtnis gespeicherte Schwarz-Weiß-Fotografien, auf denen ein Künstler absichtlich die Breite eines großen Raumes abschreitet. Diese Geste scheint für sich selbst gemacht zu sein. Der Mann ist aufrecht und mit der normalen Eleganz der 50er und 60er Jahre gekleidet, die die Einzigartigkeit dieser Epoche ausmacht. Modernität: Auch wenn das Wort veraltet erscheint, bezieht es seine ganze Kraft aus der in diesen Jahren häufigen und natürlichen Übereinstimmung zwischen dem scharfen Denken eines zeitgenössischen Künstlers und seinem Auftreten als westlicher Mann, der gut gekleidet ist und ein Hemd oder eine Anzugjacke trägt. Eine Geradlinigkeit, die ebenso sehr vom Kontext wie vom Geist erzählt. Fluxus, John Cage, Yves Klein oder eine weniger bekannte künstlerische Einheit - ich weiß es nicht mehr. Jedenfalls sind der Körper, die Gestik und das Auftreten von Bernard Bousquet als zeitgenössischer Künstler nicht harmlos. Sie sind Elemente, die sein Werk auf auffällige Weise und in der wahren Folge der Leistung.
Ich komme also auf das zurück, was ich oben als Clownsduo zwischen Bernard Bousquet und Jean-François Pauvros bezeichnet habe. Auf der einen Seite der Weiße, gerade und klar gezeichnet; auf der anderen Seite der Augustus, wütend schlaksig und mit einer bunten Seele. Auch der Körper von Jean-François Pauvros ist für jeden, der ihn gesehen hat, offensichtlich berüchtigt. Sein langer, schmiedeeiserner Bischofsstab, seine überdimensionale Statur im Verhältnis zu seiner Magerkeit, wölbt sich nach oben, um sich unter dichtem, lockigem Haar zu verstecken, das sich zu Fäden mit unentwirrbaren Widerhaken aufzulösen scheint, die sich im Raum verfangen. Wie eine offene, hochgestochene Forderung verleihen große Brillengläser und ein Hemd mit losen Seitenteilen der Skulptur den letzten Schliff. Der Rock der 70er Jahre geht von seiner Silhouette aus, abgesehen vom Klang seiner virtuosen Gitarre, die man als sehr frei empfindet; sie ist leicht zugänglich und leicht wie ein Kinderspielzeug in seinen Händen. Angesichts dieses langgestreckten Körpers mit den Beinen eines Stelzenläufers muss man unweigerlich an die abgemagerten Figuren Giacomettis denken. Der Unternehmer und der Rocker kombinieren untereinander eine zusätzliche Prüfung von Der Mann, der geht von 1960.
Die Malerei wird dabei jedoch nicht vergessen. Es gäbe noch viel mehr über die Verdopplung in Bernard Bousquets plastischem Werk und seine versteckten Porträts zu sagen. Eingeweihte können in dem Geflecht aus Zeichen nach perfekt lesbaren Fragmenten suchen, die die Schulaufgaben seiner Tochter Irène wiedergeben, oder nach anderen, die stärker in die Materie eingebettet sind und aus der langsamen Verbrennung der Kleidungsstücke seiner Umgebung stammen. All diese Abdrücke werden schamhaft entfernt, entdeckt und dann verdeckt, wie er es tut, indem er seine Werke auf Sicht umdreht. Vielleicht sind die einen wie die anderen als zerbrechliche Zeugnisse der Zeit zu sehen, die vergeht; weit entfernt von den lärmenden Anmaßungen der Landschafts- oder Porträtfotografie, die vorgibt, den Augenblick einzufangen, während sie uns in den meisten Fällen nur die Erdrückung des Künstlers unter diesem Bruchteil der Nutzlosigkeit offenbart, die er nicht zu erfassen vermochte. Melancholie eines Autors, aber keine völlige Abdankung vor der Maßlosigkeit, die uns der zeitliche Ablauf aufzwingt, der sich über unsere Existenz lustig macht.
Mehrere Sekunden, nachdem sie über den Boden gezogen worden waren, sah ich, wie die Muster auf den Leinwandbändern ihren Weg fortsetzten. Da mein Auge höchstwahrscheinlich versagte, behielt ich das wellenförmige Bild der getrockneten Haut einer gehäuteten Riesenpython, die von einem afrikanischen Händler vor dem Touristen, einem potenziellen Käufer, ausgebreitet würde.
Bernard Bousquet schwitzte nicht, sondern machte sich, vielleicht unbewusst, über einen Kunstmarkt lustig, auf dem die Werke aus den Rahmen herausgenommen und vor den Augen der Schaulustigen, ob Kenner oder Unwissende, aufgehäuft werden.
In den Beinen eines Gauklers mit einem Körper ohne Stimmungsausbruch und einem unbeweglichen Gesicht wie Buster Keaton; als Paar für einen Abend, mit Jean-François Pauvros, ernsthaft burlesk, an den mechanisierten Tanz von Gilbert und Georges erinnernd, setzt Bernard Bousquet seinen Körper hinter der Ausblendung einer zurückhaltenden Klasse und ohne sichtbare Erregung ein. Dabei stellt er uns diskret und ohne unser Wissen in seinen Raum, als Modelle, deren flüchtige Spuren er in Zeichen verwandelt, indem er uns die Wege beschreiten lässt, die er zwischen seinen Gemälden zu schaffen beschließt. Zumindest können wir uns das vorstellen.
Während ich mich entlang der ausgedehnten, wieder leblosen Formen bewege und die Musik wieder leiser wird, stelle ich mit Vergnügen fest, dass Bernards scheinbare Malerei am anderen Ende der Skala von Zeichnungen und Handpausen ein fotografisches und chromatisches Hintergrundprojekt darstellt, dessen sehr lebendige Dynamik sich unter der Komplexität der Schichten auf unglaublich reiche und lebendige Weise herausbildet. So viel scheinbare Einfachheit im Dienste einer in Wirklichkeit sehr gepflegten Strenge bei der Präsentation der Werke entspricht ganz offensichtlich dem Anspruch auf Müßiggang, den er sich gerne schelmisch anheftet, um Bernard Bousquet als einen Aristokraten der Kunst zu definieren, in der schönsten Eleganz der Akzeptanz des Begriffs.
So schreibt der Generator seine Geschichte der Unmittelbarkeit in, auf und zwischen seinen Mauern weiter.
