Insisto qui sul valore profondo che attribuisco all'arbitrarietà come autentica salvezza di situazioni creative inestricabili o poco feconde, offerte dalla logica apparente e dal ragionamento applicato.

Addio alla triste coerenza, ciao all'arbitrarietà dell'arte...

Da diversi anni distinguo due aree principali necessarie alla mia attività: il laboratorio, che è totalmente privato, e la scena dove si svolge la produzione pubblica. In questa seconda area includo le prove con gli interpreti. Questi possono ovviamente essere chiamati attori in senso lato, ma sono anche i primi scopritori dei frutti di una ricerca solitaria che sarebbe improprio ridurre a una fase di scrittura del testo.

Nel mio caso, si tratta di un'interazione naturale e permanente tra l'aspetto delle parole destinate alla scena e le concezioni dei contesti in cui vengono pronunciate o che esse stesse provocano. Rappresentare, quindi, per me è come far scontrare i testimoni dei "pezzi" che escono dalla mia fucina - nel senso in cui lo intendono scultori e musicisti.

Sono i corpi fisicamente stabili, i perni della mia installazione, attorno ai quali spingo attori e spettatori a girare. In questo modo, cerco di creare una rappresentazione psichica in 3D nella mente della persona che suona, guarda e sente. Le forme modellate comunemente prodotte al giorno d'oggi dai software di animazione grafica sarebbero una buona illustrazione di questo. Tutta la mia energia - da 10 anni che la mia forma teatrale è stata profondamente definita - ha contribuito a dare vita a questo prototipo, perfezionandolo e facendolo accettare.

Giorno dopo giorno, concepisco finalmente un teatro di sintesi, per non dire di sostituzione, rispetto a quello fatto con i materiali del pensiero tradizionale.

L'aspetto rotazionale della mia visione, anche se può sembrare solo virtuale, è molto importante per me, se non altro per le immagini mentali che crea, come "... il fatto che posso vedere il mondo attraverso gli occhi di una persona che non è nel mondo". menare il can per l'aia". o"... andare in fondo alla questione".. È anche una dinamica fisica che uso frequentemente durante le prove o i workshop in cui voglio respirare e far capire i miei pensieri. In breve, ho un approccio circolare, concentrico e volumetrico al mio soggetto e cerco di dare una percezione simile ai testimoni esterni, perché questa è la mia struttura mentale.

Desidero profondamente che gli spettatori e gli attori, che metto sullo stesso piano rispetto al mio lavoro, trattengano dalla nostra presentazione un oggetto fabbricato, un modulo di pensiero riutilizzabile, un sistema concettuale. open source, più tangibile del semplice ricordo di un evento.

Tutta la creazione è il frutto di scelte e orientamenti arbitrari.

Un'altra linea geografica principale del mio metodo di lavoro: l'uso di un'immaginazione inversa. Come l'archeologo della mia produzione, si tratta sempre per me di risalire il corso di ciò che viene estratto dal mio cervello, di ricostruire a partire da alcuni elementi di partenza, la città o la tomba sepolta che, alla fine, costituisce la vera creazione. Così considero che se ho qualcosa da inventare - come si dice di un tesoro - è certamente la comprensione della mia propria essenza, della mia civiltà inconscia, per permettermi di scoprire i miei progetti sepolti. E come ogni interpretazione fatta a partire da elementi rari trovati durante gli scavi guidati dall'istinto, il risultato è un riflesso delle scelte arbitrarie che li hanno portati. (cfr. Approccio)

Decifrando i miei bidoni fossili, sto quindi organizzando la struttura della mia futura chimera.

Nella mia concezione, l'invenzione ha già avuto luogo, anche se si pone la questione di farla nascere. Si tratta di cercare dentro se stessi, dove può essere cristallizzato al momento x. Una concezione che mi porta a considerare naturalmente che tutta la creazione è soprattutto dejecta, escrementi che sarebbe dannoso tenere in sé per troppo tempo e che ogni creatore deve costantemente spingere fuori dal proprio corpo.

Vorrei sottolineare qui, di sfuggita, il profondo valore che attribuisco all'arbitrarietà - se esiste davvero - nel mio approccio, come innesco tangibile e molto spesso reale delle situazioni creative inestricabili o poco fruttuose proposte dalla logica apparente e dal ragionamento applicato.

È molto spesso sotto il pretesto di argomenti di una triste coerenza che il conformismo e la sottomissione standardizzata tentano il creatore che rifiuta di sentire l'istinto che lo spingerebbe a ignorare questi marcatori. Arriverei persino a denunciare il sentimento di vergogna colpevole di un desiderio di emancipazione che molto spesso stigmatizza gli autori e che, inoltre, rivendica il fascino della narrativa naturalista o della sceneggiatura "concreta", la garanzia di qualità delle produzioni standard - l'aspirazione fantasticata dell'apprendista professionista.

Molti spettatori, il cui apparente bisogno di equilibrio è soggetto agli stessi divieti, sono purtroppo spesso trascinati nella deriva molto comune della ricerca della "creazione armoniosa".

Questo gusto per l'accademismo, poiché è il suo vero nome, può sembrare un'inevitabilità di ogni epoca, un passaggio obbligato per le coscienze che amano rannicchiarsi in una comodità materna per la mente, per concedersi un po' di latitudine prima di accettare di affrontare le inevitabili evoluzioni delle nostre società. Un secolo dopo l'altro lo conferma, ma se egli non può che piegarsi a questo stato di cose a misura del suo ambiente, spetta a un creatore di forme dare costantemente la caccia e isolare la propria propensione al conformismo e alla compiacenza nei confronti dei suoi simili, per giustiziarlo brutalmente senza preavviso e mantenere in lui la piccola guerra civile propria della dualità dell'individuo che si risveglia.

Erezione dell'art-bite-traire ed elezione del gesto libero

Da questo punto di vista, la controrivoluzione rappresentata dall'erezione dell'arbitrio come valore intimo deve costituire una minaccia salvifica per il consenso morbido del sentimento di un equilibrio democratico dell'arte. Questo è un punto che per me è essenziale. L'arte non può accettare l'equilibrio verso il quale vuole comunque tendere. I due poli fondamentalmente antinomici in uno stesso essere che sono, la cittadinanza da parte sua "individuo" e la singolarità da parte sua "artista", non possono che creare un arco paradossale permanente, non potendo sacrificare a nessuna delle principali forze di attrazione senza indebolirla profondamente, contaminarla o condannarla alla dissoluzione dei suoi principi, da un capo all'altro.

Così l'arte cittadina è una minaccia per lo stato della creazione tanto quanto il terrorismo può esserlo per la sicurezza della nostra vita quotidiana.

Questa è la mia intima convinzione e la sensazione profonda di un movimento interiore. Chiunque voglia capire il mio lavoro non può farlo senza prima accettare questo paradosso. Questa situazione personale fa nascere un discorso e delle proposte che a volte vengono fraintese dalle istituzioni incaricate di studiare le contorsioni al cuore dell'arte contemporanea. Vorrei qui rendere questo percorso il più chiaro possibile perché non è mai stata mia preoccupazione finire in uno scontro sterile tra la mia mente e quella dei miei interlocutori.

Chi volesse capire un po' più facilmente il senso del mio approccio artistico, più in particolare per quanto riguarda il teatro, troverà alcuni elementi esplicativi aggiuntivi in una video intervista realizzata da Guillermo Blanco nell'ottobre 2017, nella sezione Pedagogia: principio e metodo.