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Teatro ► Improvvisazione ► Performance
Scena dal vivo | Workshops
I laboratori sono interamente dedicati alla ricerca e alla sperimentazione
Libertà di essere
I laboratori offrono un lavoro molto avanzato, ma comunque molto libero in termini di gioco. È uno strumento che ogni partecipante può utilizzare per confrontarsi con i propri desideri di performance e per utilizzare l'ambiente offerto dagli altri partecipanti come un ricco terreno di coltura per tutti i tipi di performance.
Per molti di noi, il senso creativo del gioco non è perso, ma spesso "sequestrato" dalla vita quotidiana. Paradossalmente, "giocare" richiede un lavoro, sia psichico che fisico, commisurato al piacere che ci permette di sviluppare in noi stessi e con gli altri. L'accesso a questa dinamica ludica è spesso sepolto da qualche parte dentro di noi, sotto gli strati di una coscienza che la difficoltà della realtà e la complessità del confronto con il mondo esterno hanno reso sospettosa e seria. Non si tratta di fornire soluzioni preconfezionate alle domande che ci poniamo, ma di allenarci a rispondere, come ci alleneremmo a praticare uno sport.
Un parco giochi proteiforme
È in questo contesto particolarmente aperto che si fanno molti esperimenti, tentativi e scoperte.
Si tratta di immergersi nel gruppo durante 3 ore incentrate sull'improvvisazione, l'autoespressione e la ricerca di nuovi spazi di espressione.
Il workshop è uno strumento che ogni partecipante può utilizzare per confrontarsi con il suo desiderio di esibirsi e per utilizzare l'ambiente offerto dagli altri partecipanti come un ricco terreno di coltura per tutti i tipi di performance.
Tutti gli stili sono mescolati e abbinati.
L'accento è posto tanto sull'introspezione quanto sull'invenzione e sull'audacia giocosa
Si fa di tutto per coltivare l'assenza di competizione a favore del superamento dei preconcetti che spesso si alimentano sulla presunta assunzione di rischio che comporta "esibirsi".
Questi workshop offrono due poli distinti: sperimentazione collettiva e formazione.
La differenza sta nel fatto che la formazione, contrariamente ai momenti di sperimentazione, non è affatto guidata. La sua formula consiste in una grande vasca in cui basta immergersi direttamente per confrontarsi con gli altri con il solo mezzo della libera improvvisazione.
Nota: è richiesto un abbigliamento flessibile per i workshop come gli stage.
Puoi pagare il tuo workshop qui
Sessione di improvvisazione di 3 ore proposta o organizzata su richiesta (gruppo di 4 partecipanti minimo)
40€ / partecipante
Tutte le forme di teatro devono essere giochi da bambini per adulti
Scena Vivente | Vantaggi
È vivo!
La sostanza nella forma
Gli spettatori escono da uno spettacolo con dignità e crescita solo quando sono trattati come persone responsabili di ciò per cui sono venuti. Giocare insieme è forse l'unica vera pace sociale immediatamente disponibile.
Nessun vero spettacolo senza libertà di spirito
Il palcoscenico richiede l'energia del desiderio e la verità degli atti. Sono tratte da un umorismo senza fondo né confine; senza convenzioni.
Contatto
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Genesi
Questi laboratori sono la sintesi e l'estensione naturale di un laboratorio-fonte che è esistito dal 2006 al 2013 a Montreuil vicino a Parigi e che si è sviluppato nel corso degli anni, intorno a un nucleo di persone investite e curiose che gli hanno dato in gran parte la sua identità.
Addestramento al gioco
I laboratori offrono una varietà di temi, ma la loro formula rimane costante. Deriva da un'opera importante che è già stata ampiamente sviluppata durante le varie fasi del suo sviluppo, il che non esclude che i novizi se ne approprino. I laboratori sono aperti a tutti, con o senza esperienza precedente del palcoscenico.
Pratica
Allenamento per il gioco | Improvvisazione | Sperimentazione | Sviluppo di strumenti tecnici, psichici e fisici | Sviluppo di comportamenti scenici | Esercizi situazionali | Corsi gratuiti
Obiettivo: inventare le proprie forme di creazione scenica
L'ambizione principale di queste sessioni è quella di esplorare e sfruttare l'infinità di modi di essere che possiamo rappresentare e figurare grazie agli strumenti dell'immaginazione, del corpo e del desiderio di essere incarnati in una forma diversa da quella a cui ci costringe la vita quotidiana. La rappresentazione drammatica nasconde tante composizioni quanti sono gli individui in scena in un dato momento.
Processo: imparare a pilotare il "burattino di se stessi
Parte dal nulla - o diciamo da tutto, da noi stessi, dal nostro ambiente immediato, dalla nostra memoria sensibile, da una barzelletta sentita il giorno prima, da un odore percepito al momento, da righe prese a caso dai testi stesi per terra, da immagini, dalle nostre posture fisiche, dalla sensazione del nostro corpo, dalla sensazione del doppio che esiste in noi, dal burattino che dobbiamo imparare a pilotare dopo un certo allenamento.
E poi è lì, improvvisamente nasce. Può morire sul momento, può rovinarsi, può diventare grandioso, utopico o oscuro, gioioso o delirante. Questa è l'improvvisazione; la cosa vera, la cosa fondamentale; la cosa che il teatro ha spesso dimenticato. Un gioco che inizia con un momento vero scelto tra la miriade di verità possibili, che siano brutte, belle, emozionanti, divertenti o spaventose.
Il divertimento viene dall'euforia di essere ai comandi di questa grande macchina che è un'incarnazione, un "personaggio", senza giustificazione, senza alcuna storia o pretesto se non la sua esistenza
Per ottenere questo, lungi dal reprimerlo, è necessario permettere il suo grande qualsiasi cosa.
Improvvisare è soprattutto costruire un ponte tra le incongruenze e le verità che ci compongono.
La ricetta: fare un grande trituratore di te stesso, di tutti i tempi, di tutte le influenze, di tutti i ricordi, e ascoltare quello che succede dentro di te - intorno a te - senza tregua - mentre suoni. Significa trovare il piacere nel godere tanto quanto nell'offrire, nell'ingozzarsi e restituire senza preoccuparsi delle conseguenze, nel disimparare a preoccuparsi costantemente del presunto sguardo degli altri con l'unico obiettivo politico di essere amati a tutti i costi.
Il senso dell'umorismo che tutti abbiamo da qualche parte, dalla nostra prima infanzia, può aiutarci molto.
Questo umorismo, a volte peculiare della razza umana, questo umorismo intelligente e disordinato - intelligente perché disordinato e indecente - buffonesco e generoso; è quello che ci salva.
Non aspettiamo di essere soddisfatti della vita dagli altri. Sta a noi cercare, trovare e aiutarci nel flusso delle nostre scoperte empiriche e della nostra capacità creativa di godere di tutto.
Che senso ha divertirsi?
Riscoprire dall'interno cosa significa divertirsi sul palcoscenico: catturare, stupire, violare, intrattenere, stupire, nutrire e far riflettere gli altri attraverso la propria rilassatezza per affrontare tutte le situazioni con energia. Bisogna dunque imparare o re-imparare a liberarsi degli abiti adulti che camuffano niente meno che un'apparenza di serietà, gravità, "responsabilità" e altre risposte prefabbricate alla questione dell'esistenza. Giocare in modo creativo è precisamente una risposta a questo esistenza.
Entrare nel lavoro attraverso l'attore è un modo per imparare a lasciare andare i propri giudizi come "spettatore" esterno.
È un lavoro reale e sul reale, che è efficiente solo in una negazione completa, compresi i suoi preconcetti e le sue paure. Essere lì per scoprire e non per chiudersi in ciò che si pensa è il frutto della propria immersione volontaria nello spazio di gioco.
Fase potenziale
Non c'è un buon modo per nascondersi o mostrarsi sul palcoscenico, perché è un dispositivo fatto per ottenere il contrario, cioè l'esibizione di se stessi nonostante se stessi e il godimento senza vergogna che vi si trova. Sono libertà da concedere e una certa quantità di controllo da perdere su quello che è un misto di paure, ignoranza, idee preconcette e blocchi vari; tutte cose banali, quotidiane e molto comprensibili, ma che un business a tappe degno di questo nome deve contribuire a mettere in discussione.
Insomma, una strada lunga, eccitante, faticosa e senza soste comode, ma alla fine abbastanza divertente.
Non ho mai costretto i performer che alleno o con cui lavoro ad eseguire atti che non volevano eseguire. D'altra parte, non mi dispiace metterli in queste situazioni perché è il mio lavoro fargli superare più ostacoli possibili.
Liberarsi da ciò che si pensa di conoscere di se stessi per prestarsi ad altre pelli, altri modi di pensare, è avvicinarsi a un autore, uno stile, una messa in scena, un ruolo. È diventare "impersonale" con soddisfazione; un materiale vergine e malleabile che reagisce con tanta più energia quando arriva il momento di scatenare i leoni davanti agli altri. La modesta sincerità non è sufficiente. Lo spazio delle prove è lì per affrontare le sue richieste di libertà. Esprimersi impunemente di fronte ad altri è dare piacere ad un pubblico al di là delle convenzioni e al di là di quello che poteva aspettarsi quando è venuto. Questo è ciò che è la recitazione dinamica, e non ha niente a che vedere con lo status di apprendisti, dilettanti o professionisti. La procrastinazione, il rifiuto degli ostacoli e la procrastinazione fanno naturalmente parte del lavoro e dovrebbero essere previsti come impedimenti naturali che si incontrano sulla strada. Ciò che può essere percepito come un fallimento o una rinuncia è anche un passo nella formazione del sé del performer.
Il teatro è tutto sulla carne, la morte e il pensiero, che si mescolano amaramente o gioiosamente, senza pretese.
Sul palco, siamo carne con cui giocare e nient'altro. È questa scoperta che ci dà la possibilità di amare l'essere umano per quello che è, un animale abitato da impulsi brutali, ma tuttavia dotato di coscienza e che fa fronte a questo apparente paradosso.
Nota sui materiali di scena e sui contesti di lavoro
Il lavoro svolto nell'ambito di questi laboratori può fare appello a tutte le componenti del nostro universo dell'essere umano: psiche, sentimenti, atti, relazione, sessualità...
I testi, le influenze e i pretesti per le scene che si sviluppano e prendono forma sono anche attinti dalla globalità dei mondi artistici, letterari, filosofici, scientifici, politici, sociali e iconografici che ci circondano, senza alcuna preoccupazione di aderenza al loro contenuto. Sta a ciascuno di noi trarre da loro ciò che fa il proprio percorso. Come il genio della lampada, la forma teatrale tira fuori solo ciò che le viene chiesto. L'unica cosa che conta è la reattività scenica di questi materiali, essendo lo scopo di questi laboratori quello di avvicinarsi alla rappresentazione della realtà attraverso il palcoscenico, considerando che si rivolge ad adulti, liberi, consenzienti e responsabili dei loro atti rispetto a se stessi e agli altri. Nessuna di queste sperimentazioni può essere fatta senza gentilezza, rispetto naturale e un'intelligenza disposta ad aprirsi. Gli incessanti adattamenti al numero e alle caratteristiche variabili delle personalità che compongono i laboratori sono la linfa vitale di questo lavoro.
Le sessioni possono essere filmate o fotografate per scopi educativi e per illustrare le pagine di questo sito. La partecipazione ai workshop implica l'accettazione di queste condizioni.
Variante
Sotto il titolo workshop talvolta utilizzato nel sito, indica sia una performance elaborata in forma di laboratorio pubblico, sia l'esito di un corso di formazione che ha portato alla creazione di una forma performativa continua o specifica durante una giornata di ricerca.
Laboratori "Flash
Descrizione
Un workshop "flash" è come un pacchetto a sorpresa.
Ti iscrivi, vieni e inizi. L'improvvisazione collettiva è libera. Di tanto in tanto vengono lanciati alcuni supporti, immagini, frammenti di testi, suoni e situazioni suggerite... Si tratta di coglierli per far evolvere istintivamente il proprio gioco e il proprio stato nella mischia. I temi utilizzati vengono scoperti all'ultimo momento.
Come menzionato sopra, questi laboratori hanno una storia. Sono stati originariamente il risultato di un piccolo gruppo di persone appassionate di interpretazione che hanno accettato di seguire la mia ricerca e hanno dato la loro identità a questa forma di pratica e di formazione.
Le parole d'ordine che sono emerse naturalmente sono state ascolto, osservazione, apertura, immaginazione, investimento, gusto di provare senza paura del giudizio. Abbiamo sempre cercato di mantenere il "giudizio" al minimo per permettere alle qualità più piccole di trovare la via dell'espressione più libera.
"Libero" era ed è ovviamente una parola chiave, perché anche se non riusciremo mai ad uscire completamente dalle catene psichiche e comportamentali acquisite per imposizione durante l'infanzia, è la ricerca di questa utopia che ci dà l'energia per assumere la nostra immagine e i nostri pensieri come li intendiamo noi, una volta diventati adulti.
Il lavoro prodotto nel laboratorio a volte dà origine a video realizzati in questo quadro educativo intorno a un tema particolare.
Qui sotto c'è il trailer di Mostri in fuga, Un modesto remake del famoso Freaks (la parata mostruosa) diretto da Tod Browning nel 1932. La particolarità di questo film è che è stato girato in un giorno e mezzo seguendo il progetto pedagogico di questo workshop che mirava a far rendere le scene ai partecipanti con i mezzi a disposizione, dopo una sola visione del film al mattino.
A differenza dei film "svedesi", ho voluto offrire agli interpreti il principio di film snatch non si basa sulla parodia o sulla derisione, ma sull'idea di un'operazione immediata e inventiva a partire dai mezzi a sua disposizione al momento dello scatto. Non si tratta quindi di soffermarsi su una ricerca di qualità attraverso il lavoro, ma di filmare ogni sequenza nel modo più efficiente e rapido possibile con l'unico scopo di ottenere la sua essenza. Un lungometraggio dovrebbe essere girato in un giorno, massimo due, senza essere senz'anima.
Per questa prima esperienza, i danzatori che lavoravano nel laboratorio con me erano disposti a mettersi in gioco affrontando un remake espresso del magnifico " Freaks " da Tod Browning.
Per fare questo abbiamo seguito il taglio del film pubblicato da L'Avant-Scène e abbiamo guardato l'originale una o due volte a seconda delle sequenze. Dopo di che, gli attori hanno preso quello che avevano a portata di mano e portato, sul posto, per l'occasione e si è partiti per una ventina di ore di riprese distribuite su un giorno e mezzo.
Da parte mia, sono molto orgoglioso di ciò che abbiamo raggiunto. Perché l'obiettivo dell'operazione non era solo quello di eseguire più di cento riprese in due decine di ore, ma di ottenere un nuovo prodotto, tanto diverso dall'originale per il suo stile quanto fedele ad esso per la sua narrazione.
