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Kurs Scène Vivante | Häufig gestellte Fragen | Visuell © David Noir

Live Scene | Häufig gestellte Fragen

Hier finden Sie Antworten auf die häufigsten Fragen, die Sie sich eventuell stellen könnten, bevor Sie sich für einen Workshop oder ein Improvisationstraining von Scène Vivante anmelden.

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Formation Scène Vivante | David Noir | Kurse, Workshops, Coaching | Theater | Improvisationsmethode | Performance | Öffentliches Sprechen | Visuelles © David Noir

Präambel | Theater anders lernen und praktizieren

Die pädagogischen Prinzipien, die diesem Ausbildungsprogramm zugrunde liegen, wurden im Laufe der Zeit entwickelt und werden durch die Teilnahme aller Praktikerinnen und Praktiker, die an den Kursen, Praktika und Workshops teilnehmen, weiter ausgebaut.

Die Problematik der Repräsentation wird in ihrer Gesamtheit behandelt, unabhängig davon, ob sie Berufs- oder Amateurschauspieler betrifft oder jede Person, die sich in ihrer Arbeit oder ihrem Privatleben die Frage nach ihrem eigenen Image stellt und was sie daraus machen kann, um ihren Alltag oder ihre öffentlichen Auftritte zu verbessern. Konkrete, erprobte und vielfach umgesetzte Lösungen sollen jedem helfen, der das Bedürfnis verspürt, sich vor anderen auszudrücken, oder einfach nur Fragen zu den Prozessen der Repräsentation und der Theatralität in unserer Gesellschaft hat.

Der Unterricht von Scène Vivante erhebt nicht den Anspruch, das Ergebnis einer umfassenden Synthese der Überlegungen zu sein, die im Laufe der Geschichte der Bühne zum Thema Unterricht angestellt wurden. Es soll ein praktisches Werkzeug für den Austausch und die Kreation sein, das durch Entdeckung, Begleitung und Arbeit auf der Bühne Antworten auf die Probleme jedes Einzelnen in diesem Bereich bietet.

Praktische Informationen

Wenn Sie nach dem Durchblättern dieser Seite und aller anderen Seiten über Scène Vivante, die Sie über die Links im Kopfmenü erreichen, keine Antwort auf Ihre Fragen finden oder weitere Informationen wünschen, können Sie mich über die bereitgestellten Kontaktlinks ansprechen.

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Sich selbst ins Spiel bringen, wie ein Kind sich für Zorro hält

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Ich glaube, ich habe noch nie jemanden getroffen, der nicht in der Lage gewesen wäre, auch nur ansatzweise zu spielen, ein anderer zu sein, wenn er oder sie verstanden hat, dass es nicht darum geht, so zu tun, als ob, sondern man selbst zu sein.

Theater anders lernen und praktizieren

Aktuelle Techniken, die an die Vielfalt der Anfragen angepasst sind. Ein aufmerksamer Blick auf die Pluralität der Persönlichkeiten.

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Scène Vivante, ein Programm so voll wie ein Ei

Eine reiche und nahrhafte Ausbildung wie ein Dotter, der mit den Elementen gefüllt ist, die der Bühnenentwicklung des zu seiner Autonomie geführten Individuums eigen sind.

Scène Vivante Kurs | Praktische Informationen | Ort und Agenda | Bildmaterial © David Noir
Scène Vivante Kurs | Praktische Informationen | Ort und Agenda | Bildmaterial © David Noir

Eines der Ziele von Scène Vivante ist es, seinen Schülern und Auszubildenden die Natur in vollem Umfang sichtbar zu machen, die sowohl persönlich und universell ihrer eigenen Werkzeuge : persönlich um die Entwicklung der eigenen Identität oder sogar der eigenen Einzigartigkeit zu bekräftigen, universell um besser zu verstehen, wie leicht es ist, sich auf andere und mit anderen einzustellen, ohne dabei seine intellektuelle, emotionale und körperliche Integrität zu opfern.

Was bietet Scène Vivante?

Scène Vivante ist der pädagogische Zweig von David Noir Production. Sie bietet Kurse, Coaching, Praktika und Workshops an, die dem Geist und der Philosophie entsprechen, die auch die Seiten dieser Website prägen.

Ist es für alle offen?

Der Unterricht von Scène Vivante, ob in Gruppen oder einzeln, basiert auf originellen Methoden, die sich an die verschiedenen Persönlichkeiten anpassen, ohne von ihnen eine vorherige künstlerische Ausbildung zu verlangen.

Warum Praktika, Kurse und Workshops?

Um das Bedürfnis auszudrücken und in Formen zu fassen, diesem Wirrwarr von Bewegungen, die uns als Menschen unaufhörlich antreiben, Gestalt zu verleihen.

Kurse und Workshops sind daher physische und zeitliche Räume, die dazu dienen sollen, den Ausdruck dieser Bedürfnisse auf einer Bühne zu fördern; d. h. in Gegenwart anderer, vor anderen oder vielmehr inmitten von anderen.

Beinhaltet der Unterricht auch therapeutische Aspekte?

Wahrscheinlich ja; um so besser, wenn es so ist, und letztlich ist es auch egal. Das Verbinden von Wunden und Schmerzen schadet dem künstlerischen Schaffen nicht, warum sollte man es also im Namen einer vermeintlichen "Reinheit" der Handlung ablehnen.

Andere: Partner und Öffentlichkeit.

Warum diese Notwendigkeit, andere Zeugen für die eigene Existenz zu haben als den Ehepartner, die Familie, die Freunde?

Denn die einzige gute Option des Spektakels ist nicht die Lüge, sondern die Demonstration dessen, was man ist und fühlt. Und wie bereits erwähnt, ist es - abgesehen von moralischen Vorstellungen - unbestreitbar, dass die "klassische" soziale Beziehung zur Lüge oder zumindest zum Unausgesprochenen zwingt.

Das Spektakuläre, von dem hier die Rede ist, ist nicht der Teufel, den Guy Debord in "Die Gesellschaft des Spektakels" beschrieben hat. Es ist sogar das genaue Gegenteil. Vielmehr ist es ein lebenswichtiges, dem Menschen innewohnendes und immanentes Bedürfnis: das Bedürfnis, sich selbst und die Dinge und Wesen, die uns umgeben, darzustellen, um die Welt und die Welten, die auf diese Weise modelliert werden, besser zu verstehen.

Wie funktionieren die Kurse, Praktika und Workshops?

Nach dem Prinzip einer Gemeinschaft von Geistern, von nicht ausgewählten, nicht sortierten Individuen. Sie sind offen für jeden, der kommen möchte. Man muss also kein Schauspieler oder keine Schauspielerin sein, um sich dort zu bewegen und in Szene zu setzen. Man spielt spontan und manchmal auch vorbereitet, mit allen möglichen Materialien, angefangen natürlich bei sich selbst, in allen möglichen Situationen. Die Übungszeiten sind lang und kollektiv, damit jeder Neuankömmling nach und nach in die Materie eintauchen und sich aufwärmen kann, bevor es an die Übungen und Interpretationen geht.

Was Sie dort nicht finden werden

  • Eine Aufführung im traditionellen Sinne, bei der Rollen und Partituren endgültig vergeben werden.
  • Eine lineare Methode, die darauf abzielt, Sie auf dem Castingmarkt zu einem "bankable" Schauspieler oder einer "bankable" Schauspielerin zu machen. Aber das wird durch nichts verhindert.

Ich schreibe dies, damit Sie wissen, dass ich nichts von dem zu vermitteln habe, was konsumiert wird. Ich kann nur auf die Anwesenheit des anderen reagieren; manchmal auch auf seine Abwesenheit. Man kann nur das gut lehren, was man nicht kennt und dabei entdeckt. Der Rest ist eine krankhafte Anhäufung von Kultur außerhalb der gegenwärtigen Zeit, die allein in den Augen der Lebenden zählt. Die Menschen ficken, schlafen, essen und sterben; was könnte natürlicher sein? Das ist das Leben; es ist unser Leben. Sie arbeiten auch, produzieren Gedanken, Gefühle, Materialien und manchmal ... spielen sie!

Was spielen sie?

An dieser Stelle sollte man Ehrgeiz nicht mit Anmaßung verwechseln. Denn während einige Menschen Spaß daran haben, Konzepte und Formen zu erfinden und umzusetzen, begnügt sich die große Mehrheit damit, Wohlstand, Wohlbefinden, Freiheit, intellektuelle Entwicklung, Kreativität und Arbeitsfähigkeit zu simulieren. spielenaber so tun als ob.

Diese beiden Begriffe werden oft absichtlich verwechselt, haben aber dennoch einen großen Unterschied zwischen sich, denn "spielen mit" ist nicht gleich "spielen".

"Spielen" - in einem reifen Sinn, der zwar tatsächlich aus der Kindheit stammt, sich aber nicht nur auf das Spiel des Kindes beschränkt, für das das Spielen, wie bei jungen Tieren, der Sozialisierung und dem Üben von Macht- und Begehrensverhältnissen dient - "Spielen" bedeutet also für einen von der Kindheit inspirierten Erwachsenen, tatsächlich zu produzieren und nicht (sich) zu erzählen, dass er produziert.

Aber was produzieren?

Sinn und am besten, seine Sinn der Dinge und des Lebens.

Mit anderen Worten: seine Sicht der Welt in Worten, Bewegungen, Handlungen, Klängen, Bildern, Reden, Austausch... die Aufzählung der Werkzeuge, die dem Bühnenakt zur Verfügung stehen, ist unendlich und exponentiell.

Eine grundlegende Achse: die Notwendigkeit, wahr zu sein, um lohnenswerte Kunst zu produzieren.

Was bedeutet es, wahr zu sein?

An erster Stelle: sich selbst gut kennen.

Dann versuchen, in sich selbst den Faden zu finden, der, wenn er einmal wie eine sensible Saite gespannt ist, in den Schwingungen schwingt, die unseren Lebensimpuls für uns selbst ausmachen und ein mentales Bild von uns selbst für andere schaffen.

Bevor wir das tun können, müssen wir sie erst einmal finden, sie von Knoten, Fremdkörpern und Fesseln befreien und sie schließlich so anspannen, dass sie für ihren Gastgeber klar und leicht erkennbar klingt. Die eigene Wahrheit eines jeden Menschen ist eine Welle. Es gilt, das "A" zu bestimmen und zu isolieren. Wie bei jedem Instrument muss man sich vor dem Spielen einstimmen und seine Tonleitern kennen. Dazu dient der Trainingsaspekt eines Workshops.

Es gilt, weniger mathematisch als in der Musik, aber dennoch wirksam, dass das szenische Individuum kann durch harte Arbeit und Beobachtung dazu gelangen, den Umfang seiner eigenen Tonleitern und den Tonumfang seines Gesangs zu verstehen.

David Noir, wer ist das? Kann ich sehen, mit wem ich es zu tun habe?

Ja, indem du klickst hier

als Epilog

Menschlichkeit und Spiel

Seine Da die eigene Wahrheit nur für einen selbst gilt, um im Alltag nicht mit der ganzen Welt im Krieg zu liegen, muss man sich durch Austausch mit anderen verbinden. Diplomatie ist eine schreckliche Sache für das Ego, denn sie zwingt es dazu, seine rohe Wahrheit zu verbergen, aber auch ins Unausgesprochene und in die Lüge durch Unterlassung zu verfallen. Die meisten Menschen, die sich mit dem Ego beschäftigen, sagen: "Tu mir nicht weh, dann tu ich dir nicht weh"; "Akzeptiere mich, dann werde ich dich in Betracht ziehen".

Spielen bedeutet, diesen unausgesprochenen Pakt zwischen Menschen für eine Weile beiseite zu legen, um dem nicht sozialisierten Teil der Person zu erlauben, sich unter Kontrolle und in einem Rahmen, der dies zulässt, auszudrücken.

Jenseits der zweifelhaften Kompromisse der täglichen Diplomatie gibt es also nur die Vergebung, und zwar a priori bedingungslos, die nicht zu Krieg oder den perversen Auswirkungen des Handels und Tauschhandels führt, die dem "wahren Leben" innewohnen. Doch eine solche offene Haltung bringt häufig auch einen störenden und möglicherweise schädlichen Nebeneffekt mit sich: die Unterwerfung unter alle Arten von Autoritäten. Paradoxerweise ist dieses Verhalten auch nicht mit der Entstehung des Theatertiers vereinbar, das auch die Energie unseres Hasses und anderer krankhafter Impulse braucht, um sich zu ernähren. Kurzum, wir brauchen alles, was den Menschen ausmacht, gut wie furchterregend, ausgedrückt, könnte man sagen, in vitro.

Auch die Liebe, diese Verbindung zwischen Menschen, die darunter leidet, dass sie zu sehr reflektiert wird, um gut gelebt zu werden, muss die uneigennützige "Reinheit" wiederfinden, die die Herzenszustände der Kindheit antreibt; Zustände, die in den ersten Lebensjahren noch nicht von einem scheinheilig verdeckten, aber zumindest authentisch zum Ausdruck gebrachten Interesse getrieben werden. Die Handlungen werden nur von den Bedürfnissen geleitet. Sie sind immer noch besser als die eigennützige Berechnung, die durch das Misstrauen gegenüber anderen geprägt und durch Ängste an unser Leben gebunden ist - zumindest auf dem Präsentierteller.

Die Bühne oder der einfache Probenraum ist nämlich letztlich - und es ist gut, dies während der Arbeit im Hinterkopf zu behalten - der Ort der am wenigsten gefährlichen sozialen Beziehung der Welt, wo die Einsätze virtuell sind und wo man am wenigsten Angst haben muss, wenn man erst einmal verinnerlicht hat, dass der Blick des anderen keine Schusswaffe ist.

Die einzige Liebe, die es wert ist, seine Spielkunst zu erheben, scheint also eine Liebe zu sein, die direkt aus einer unmittelbaren und berechnungsfreien Kindheit stammt. Sie ist reines Bedürfnis und nur dieses Bedürfnis ist rohe und ursprüngliche Liebe. Das gilt nicht für das Verlangen, das viel schwankender und flüchtiger ist und auf das es nicht klug ist, seine Ausdruckskraft zu stützen. Es gibt also fatalerweise auch unangenehme Dinge in dem Durcheinander dessen, was uns ausmacht und was wir zu sagen versuchen müssen.

Deshalb sollte die Bühne niemals versuchen, tugendhafter als das Leben zu sein, sonst klingt sie schrecklich falsch.

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